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Jacques Loussier
En el Mozarteum Argentino
Función # 9
http://www.mozarteumargentino.org/funcion9.html
Lunes 8 y martes 9 de octubre a las 20:30 hs.
Jacques Loussier Play Bach Trio
PROGRAMA
Johann S. Bach: Fuga nº 5 en Re Mayor / Gavota en Re Mayor
Johann S. Bach: Pastoral en Do menor / Air para una cuerda en Sol
Johann S. Bach: Concierto Brandeburgués nº 5 en Re Mayor
Johann S. Bach: Concierto para clave en Re Mayor: III. Allegro
Claude Debussy: Arabesque / L’ Isle joyeuse
Erik Satie: Gymnopédie nº 1
Maurice Ravel: Bolero
Jacques Loussier, compositor y músico francés, es reconocido
por su famoso Play Bach Trio con el que se consagró
por sus magistrales improvisaciones sobre obras de Bach,
y que en 3 años produjo 4 álbumes que vendieron 6 millones de copias.
Egresado del Conservatorio Nacional de Música de París,
pianista acompañante de Catherine Sauvage y Charles Aznavour,
comenzó a componer en los años ’80,
formando un nuevo Play Bach Trio en 1985
con el percusionista André Arpino y bajista Vincent Charbonnier.
Tema
Jacques Loussier - Ravel's Bolero
Link
RBerdi_J.Loussier-Ravel-Bolero.rar
Publicaciones anteriores
Jacques Loussier - Reflections Of Bach
Jacques Loussier - Play Bach In Phase Four Stereo
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sábado, 18 de agosto de 2007
Charly Garcia - En vivo Puerto Madero Pub - Rosario - 1999 (13-10-99)
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Charly García
Charly Garcia
- En vivo - Puerto Madero Pub
- Rosario - Provincia de Sata Fe
- Argentina - 1999
Parte 1
01- Pagarás con interés.mp3
02- Locomotion.mp3
03- Ya no te quiero.mp3
04- Sympathy for the devil.mp3
05- You really got me.mp3
06- Purple hale.mp3
07- We don’t cry.mp3
08- Money tonk woman.mp3
09- Cerebrus.mp3
10- Ticket to ride.mp3
Parte 2
11- Maradona blues.mp3
12- La hiena.mp3
13- Dogo.mp3
14- Twist and shout.mp3
15- Dos edificios dorados.mp3
16- Adiós nonino.mp3
17- Los dinosaurios.mp3
18- Cerca de la revolución.mp3
Links
Parte 1
http://rapidshare.com/files/49623346/RBerdi_C.Garcia-EnVivo-P.MaderoPub-Ros-99-P1.rar
Parte 2
http://rapidshare.com/files/49632711/RBerdi_C.Garcia-EnVivo-P.MaderoPub-Ros-99-P2.rar
Publicación Anterior
Charly Garcia y Serú Girán - Viernes 3 A. M.
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Spinetta - Presentación Teatro Alberdi en Tucumán - - - Spinetta - Estrelicia - MTV Unplugged
Vox Dei - La Biblia - 1971
León Gieco - Siete Años
Último CD grabado de Arco Iris (Gustavo Santaolalla era el leader)Agitor Lucens V
http://rapidshare.com/files/20415154/RBerdi_Arco_Iris-AgitorLucensV-74.rar.html
Y otro documento importante es cuando formó Soluna:Esta fué su última grabación antes de ir a trabajar a EE.UU.
http://rapidshare.com/files/18338639/RBerdi_Gustavo_Santaolalla-Soluna-Energia_natural.rar.html
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viernes, 17 de agosto de 2007
George Gershwin - Gershwin plays Gershwin - The Piano Rolls
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George Gershwin
(Jacob Gershvin;
Brooklyn, EE UU, 1898-Beverly Hills, id., 1937)
Compositor estadounidense.
En un país que, hasta el final de la Primera Guerra Mundial, había dependido en el ámbito musical casi exclusivamente de modas, compositores e intérpretes llegados de Europa,
George Gershwin fue el primero en hacer oír una voz inequívocamente autóctona, aunque capaz, al mismo tiempo, de conquistar el éxito fuera de las fronteras de su patria.
Y lo hizo a través de unas obras en que hábilmente se sintetizaban elementos procedentes del jazz y de la tradición clásica, y que le permitieron destacar por igual en campos tan dispares como el de la música sinfónica y la popular.
Hijo de una familia de inmigrantes rusos de origen judío, su talento para la música se manifestó a temprana edad, cuando, mediante un voluntarioso aprendizaje autodidacto, aprendió a tocar el piano de oído.
Ante su entusiasmo, su padre decidió hacerle estudiar en serio con un profesor, Charles Hambitzer, quien le descubrió el mundo sonoro de compositores como Liszt, Chopin o Debussy.
Sin embargo, los grandes referentes de Gershwin en aquellos primeros años fueron Irving Berlin y Jerome Kern, reyes del Broadway de la época gracias a sus canciones y sus comedias musicales. El deseo de triunfar como compositor en las salas de concierto, aunque latente entonces, no tomaría forma hasta años más tarde.
Así, abandonó en 1914 sus estudios para trabajar en unos almacenes de música en los que, sentado al piano, presentaba al público las melodías de moda.
Pronto se animó él mismo a componer sus primeras canciones, algunas de las cuales consiguieron cierta popularidad y, sobre todo, le valieron la oportunidad de escribir su primer musical para Broadway, La, la, Lucille.
Su inmediato éxito significó el verdadero comienzo de su carrera como compositor.
A éste siguieron otros títulos como Lady Be Good, Oh Kay!, Funny Face, Girl Crazy y Of Thee I Sing, que contribuyeron a cimentar su fama y a convertirlo en un personaje aún más popular que sus admirados Kern y Berlin.
A partir de la década de 1920, inició también la composición de otros trabajos destinados a las salas de concierto.
Fecha señalada en este sentido fue la del 12 de febrero de 1924, cuando estrenó en el Aeolian Hall de Nueva York su Rhapsody in blue, una pieza para piano y orquesta en la que de manera original se sintetizaban algunos elementos del jazz, como la síncopa, con otros de procedencia clásica.
En dicha época Gershwin no conocía lo suficiente de orquestación, por lo que la misma fue
realizada por Ferder Groffe (el autor del Gran cañón del Colorado). Además, agregamos
que la orquesta que acompañó al autor (pianista) en el estreno era la de paul Whiteman.
RBerdi.
La obra fue polémica, sobre todo a causa de esa misma mezcla de estilos «serio» y «ligero» que constituye su esencia, pero en poco tiempo consiguió hacerse con un puesto en el repertorio de los mejores solistas y las más destacadas orquestas.
El éxito no hizo olvidar a Gershwin sus numerosas lagunas técnicas, por lo que prosiguió sus estudios musicales con la intención de enriquecer su estilo y abordar metas más ambiciosas.
En 1925 llegó otra composición concertante, el Concierto para piano en fa, a la que siguió tres años más tarde la pieza sinfónica Un americano en París.
La culminación de su carrera como compositor llegó en 1935 con la ópera Porgy and Bess, convincente retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos, en la que el autor, fiel a su estilo, sintetizó las dos tradiciones que conocía: la estadounidense, representada por el jazz y el espiritual, y la sinfónica europea.
A pesar de algunas dificultades iniciales, Porgy and Bess se impuso rápidamente en los escenarios de todo el mundo, hasta el punto de que hoy es la ópera estadounidense por antonomasia.
Gershwin, sin embargo, no pudo disfrutar durante mucho tiempo de su éxito: un tumor cerebral truncó prematuramente su vida, privando a la música estadounidense de uno de sus compositores más representativos y universales.
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gershwin.htm
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gershwin.htm
George Gershwin - Gershwin plays Gershwin - The Piano Rolls
Temas
01 - Sweet And Lowdown.mp3
02 - Novelette in fourths.mp3
03 - That certain feeling.mp3
04 - So am i.mp3
05 - Rhapsody in blue.mp3
06 - Swanee.mp3
07 - When you want 'em, you can't get 'em....mp3
08 - Kickin' the clouds away.mp3
09 - Idle dreams.mp3
10 - On my mind the whole night long.mp3
11 - Scandal walk.mp3
12 - An American in Paris.mp3
Link
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Oscar Peterson - Plays The Gershwin Songbook
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jueves, 16 de agosto de 2007
Fabulous Swing Collection - Great Orchestras
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Fabulous Swing Collection - Great Orchestras
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Swing
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Baile de origen norteamericano.
Las raices de este pegadizo ritmo hay que buscarlas en las "big bands" americanas de finales de los años 30 y principios de los 40.
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En aquel entonces, las orquestas de baile más famosas (como las de Benny Goodman o Glenn Miller) eran tan populares como un cantante de pop puede serlo hoy día y sus discos sonaban constantemente en la radio
Se vendían en gran cantidad a un público ávido de diversión y entretenimiento.
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Estas bandas, buscando una forma diferente de interpretar el jazz para hacerlo más bailable, acabaron dando lugar a un sonido basado en la supremacía absoluta de la sección de vientos
Estas bandas, buscando una forma diferente de interpretar el jazz para hacerlo más bailable, acabaron dando lugar a un sonido basado en la supremacía absoluta de la sección de vientos
de la orquesta, muy pegadizo y con un ritmo caracteristico que ellos llamaron "swing",
y que acabó por dar nombre a dicha música y su baile.
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A continuación una muy buena selección de temas
interpretados por importantes
orquestas.
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Temas
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01 - Benny Goodman & His Orchestra- Don't Be That Way.mp3
02 - Glenn Miller & His Orchestra-In the Mood.mp3
03 - Tommy Dorsey & His Orchestra- Opus One.mp3
04 - Charlie Barnet & His Orchestra- Cherokee.mp3
05 - Artie Shaw & His Orchestra- Non-Stop Flight.mp3
06 - Glen Gray- Casa Loma Stomp.mp3
07 - Duke Ellington & His Orchestra- Take the 'A' Train.mp3
08 - Jack Leonard- Marie.mp3
09 - Cab Calloway- Minnie the Moocher.mp3
10 - Glenn Miller & His Orchestra- American Patrol.mp3
11 - Bunny Berigan & His Orchestra- All God's Chillun Got Rhythm.mp3 12 - Artie Shaw & His Orchestra- Back Bay Shuffle.mp3
13 - Duke Ellington & His Orchestra- Cotton Tail.mp3
14 - Glenn Miller & His Orchestra- A String of Pearls.mp3
16 - Jimmie Lunceford & His Orchestra- Swingin' Uptown.mp3
17 - Fletcher Henderson & His Orchestra- Mary Had a Little Lamb.mp3 18 - Charlie Barnet & his orchestra - Flying home.mp3
19 - Benny Goodman & His Orchestra- Sing, Sing, Sing (With a Swing), Pt. 1 & 2.mp3
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Link
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miércoles, 15 de agosto de 2007
Oscar Alemán - El Inolvidable Oscar Alemán
.Oscar Alemán
Por Bosquín Ortega
Cuando ese bambú dentro de un ánfora de pantera, lo vio tocar la guitarra, bailar y zapatear, cantar y monologar, todo bien y a la vez, pensó que asistía a un inédito prodigio de naturaleza artística.
Cuando ese bambú dentro de un ánfora de pantera, lo vio tocar la guitarra, bailar y zapatear, cantar y monologar, todo bien y a la vez, pensó que asistía a un inédito prodigio de naturaleza artística.
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Ella ya era una diva del jazz europeo, con atávico síncopa de gene afro, que había tatuado pupilas con su cuerpo tallado en temblor de quásar y fibra de ónix.
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Su apodo de “La Venus de Ébano” había trascendido el cíclico esplendor de las marquesinas francesas y encarnado al imaginario urbano del hombre galo. Aquella jabalina con meandros – la distancia entre sus piernas, caderas y torso guardaban la armonía áurea del siglo de Pericles – se llamaba Josephine Baker, estrella indiscutible del firmamento mediterráneo, legendaria cantante y bailarina del varieté de preguerra. El calendario precipitaba a 1932, y el huevo de la serpiente del nazismo aguardaba en tenebrosa latencia.
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Aquel hombrecito delgado, de piel mulata y bigotes medidos, cabello crespo con gomina, gafas de carey y cadencia caribeña, terminó por seducir a La Baker, coral de fuego. Aceptó al músico, y lo incorporó como primera guitarra de su orquesta estable.
Aquel hombrecito delgado, de piel mulata y bigotes medidos, cabello crespo con gomina, gafas de carey y cadencia caribeña, terminó por seducir a La Baker, coral de fuego. Aceptó al músico, y lo incorporó como primera guitarra de su orquesta estable.
El pasaporte legalizaba a Oscar Marcelo Alemán, nacido el 20 de Febrero de 1909, en la República Argentina.
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Oriundo de Machagai, provenía de una familia de músicos que vivían de su tarea musical.
Oriundo de Machagai, provenía de una familia de músicos que vivían de su tarea musical.
Su padre, guitarrista folklórico, formaba parte de un cuarteto de arte nativo, integrado por Carlos, Jorgelina y Juan, sus propios hijos.
Por su parte, Oscarcito, de breves seis años, lucía una destreza inusual como zapateador de malambo, impulsado por una elástica postura y un tono muscular, inusuales para un niño de su edad. Llamaba la atención, el modo espontáneo y natural de “pararse” en el centro de la escena (don de sitio del danzarín) y la simpatía de sus movimientos de acrobático humorismo.
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En 1915, realizó una actuación memorable, en el escenario del Teatro Nuevo, donde hoy funciona el Teatro Municipal General San Martín.
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A causa de una separación familiar, Oscarcito comienza, a los diez años, una vida de errancia y autodeterminación, constantes de su vida futura. Se lo recuerda lustrabotas en las diagonales numéricas de Sáenz Peña. Alguien le acerca un “cavaquinho”, pequeña guitarra de cuatro cuerdas, con lo que inicia una carrera excepcional de instrumentista, que mantendría en abierta fidelidad hasta el cese de sus manos virtuosas, en la provincia de Buenos Aires.
A causa de una separación familiar, Oscarcito comienza, a los diez años, una vida de errancia y autodeterminación, constantes de su vida futura. Se lo recuerda lustrabotas en las diagonales numéricas de Sáenz Peña. Alguien le acerca un “cavaquinho”, pequeña guitarra de cuatro cuerdas, con lo que inicia una carrera excepcional de instrumentista, que mantendría en abierta fidelidad hasta el cese de sus manos virtuosas, en la provincia de Buenos Aires.
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Alrededor de 1926, toca, de manera profesional, en cafés y clubes nocturnos, junto a Gastón Bueno Lobo, otro guitarrista con quien forma un dúo de género variado. Incursiona como autor de tangos, y Agustín Magaldi, cantor de hondo lirismo criollo, le graba una versión.
Alrededor de 1926, toca, de manera profesional, en cafés y clubes nocturnos, junto a Gastón Bueno Lobo, otro guitarrista con quien forma un dúo de género variado. Incursiona como autor de tangos, y Agustín Magaldi, cantor de hondo lirismo criollo, le graba una versión.
Alterna actuaciones con Carlos Gardel y se vincula con Enrique Santos Discépolo, a través de incursiones en la revista musical, al estilo de “Blum”, con libro y puesta del poeta y actor porteño.
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Viaja después por tierra brasilera y otras latitudes sudamericanas, mestizando un proceso rítmico que abona el sustrato intuitivo de su virtuosismo ecléctico y fascinante. Todas las vertientes musicales navegan el diapasón de su guitarra esencialmente versátil, profundamente cósmica.
Viaja después por tierra brasilera y otras latitudes sudamericanas, mestizando un proceso rítmico que abona el sustrato intuitivo de su virtuosismo ecléctico y fascinante. Todas las vertientes musicales navegan el diapasón de su guitarra esencialmente versátil, profundamente cósmica.
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Estimulada por la curiosidad de un talento expandido, Josephine Baker lo convoca a una prueba que lo confirma y la deslumbra. Ambos conforman un dueto de antológica faceta que persiste en la iconografía y discografía, tanto de difusión como de investigación, de la música francesa.
Estimulada por la curiosidad de un talento expandido, Josephine Baker lo convoca a una prueba que lo confirma y la deslumbra. Ambos conforman un dueto de antológica faceta que persiste en la iconografía y discografía, tanto de difusión como de investigación, de la música francesa.
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Recorren una pléyade de escenarios que rutilan con los efectos destellantes de una alianza irrepetible, hasta la invasión alemana a París, en 1940, que los obliga a desmembrar la compañía y continuar separados.
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Oscar Alemán, figura reconocida de críticos y melómanos, se lanza a una gira por el continente europeo. Conoce a Louis Armstrong y Duke Ellington, quienes detectan su capacidad improvisativa e intuitiva, pese a que Oscar Alemán tendía más a un swinger diferente que a un jazzman típico.
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Pero es Django Reinhardt, el célebre guitarrista de origen gitano (que pese a un accidente que le inutilizó parte de una mano, prosiguió tocando con técnica y eficacia similares), quién le produce una implosión totalizante en la percepción y en los códigos instrumentales.
Ambos se admiran y respetan, comparten sesiones e improvisaciones y tocan en el
Hot Club de Francia, santuario del jazz eurocéntrico.
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Alemán no se preocupó de la influencia de Reinhardt, pues supo incorporar y metabolizar alemanalmente la potencia avasallante del genial romaní. Él cuerdista chaqueño, ciudadano del mundo, constituía una alquimia rítmica de extraña aleación: era un prestidigitador y un “chanssonier”, un velocista y un efectista, un comediante y un danzarín, de improbable réplica contemporánea.
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Impuso el hábito de girar y apoyar la guitarra sobre las espaldas, y ejecutar (hacia atrás) fragmentos de canciones. Alemán matrizó una paternidad de hacer alta música popular con un sentido del espectáculo en términos de producida magnitud.
Impuso el hábito de girar y apoyar la guitarra sobre las espaldas, y ejecutar (hacia atrás) fragmentos de canciones. Alemán matrizó una paternidad de hacer alta música popular con un sentido del espectáculo en términos de producida magnitud.
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De vuelta al país, logra un éxito impactante, pero persuasivo: su tema “Rosa madreselva”, se proyecta como pieza de culto y cifra de venta.
De vuelta al país, logra un éxito impactante, pero persuasivo: su tema “Rosa madreselva”, se proyecta como pieza de culto y cifra de venta.
Alemán ofrece al predominio del jazz melódico – las compactas bandas nutridas,al modo de Glenn Miller, que insuflaban energía a los frentes de batalla y a los salones de retaguardia estadounidenses – la irreverente brillantez del swing, personalista y vertiginoso.
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Diez años después, con su invariable humor activo, funda una escuela de aprendizaje para jóvenes guitarristas, sin sustento económico.
Diez años después, con su invariable humor activo, funda una escuela de aprendizaje para jóvenes guitarristas, sin sustento económico.
Alemán pese a periodos de dilación laboral, comunes al mercado voluble de los intereses fonográficos, se mantiene en su carácter de solista y convoca a un quinteto de tres violines, contrabajo y batería.
El primer violín era ejecutado por Hernán Oliva, uno de los instrumentistas favoritos del impar Enrique “Mono” Villegas.
Las últimas grabaciones las concreta junto a Eduardo Rovera, rodeado por sus discípulos que valoraban su bonhomía y su ejercicio saludable del humor en todo acto vital.
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Oscar Alemán, esposo de Carmen Vallejos y padre de Selva Alemán, talentosas actrices nacionales, falleció el 14 de Octubre de 1980.
Oscar Alemán, esposo de Carmen Vallejos y padre de Selva Alemán, talentosas actrices nacionales, falleció el 14 de Octubre de 1980.
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Desde el otro siglo, su nombre figura en los
anales de la Enciclopedia Mundial del Jazz.
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El olvido irresponsable y la ingratitud deleznable no tienen edad. Son impunemente vigentes. ¿Algún funcionario nomenclador con sentido común y vergüenza patriótica se acordará, en alguna calle de tantos barrios nuevos del Gran Resistencia, de nuestro Oscar Alemán, que honra al Chaco en el mundo y que posee varios sitios de Internet en el mundo y ni uno solo en su provincia?
El olvido irresponsable y la ingratitud deleznable no tienen edad. Son impunemente vigentes. ¿Algún funcionario nomenclador con sentido común y vergüenza patriótica se acordará, en alguna calle de tantos barrios nuevos del Gran Resistencia, de nuestro Oscar Alemán, que honra al Chaco en el mundo y que posee varios sitios de Internet en el mundo y ni uno solo en su provincia?
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La memoria es la madre del recuerdo. CH.
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Oscar Alemán - El Inolvidable O.A.
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Temas
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01-Oscar Alemán-Tenias que ser Tu.mp3
02-Oscar Alemán-Alexander's Band.mp3
03-Oscar Alemán-Rosa Madreselva.mp3
04-Oscar Alemán-Susurrando.mp3
05-Oscar Alemán-No Puedo darte mas que amor.mp3
06-Oscar Aleman-De buen humor.mp3
07-Oscar Alemán-Hombre Mio.mp3
08-Oscar Alemán-Ritmo Loco.mp3
09-Oscar Alemán-Saint Louis Blues.mp3
10-Oscar Alemán-Cuando los santos vienen.mp3
11-Oscar Alemán-Oscar Blues #3.mp3
12-Oscar Alemán-Tono #1.mp3
13-Oscar Alemán-Gabilu.mp3
14-Oscar Alemán-Encontré una nueva Nena.mp3
15-Oscar Alemán-Para mi Eres Divina.mp3
16-Oscar Alemán-Limehouse Blues.mp3
17-Oscar Alemán-Muchacho Chino.mp3
18-Oscar Alemán-Joe Louis.mp3
19-Oscar Alemán-Caravana.mp3
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Link
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martes, 14 de agosto de 2007
Mis Recomendaciones en Música - RBerdi
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Mis Recomendaciones
Camille Filfiley - Camille Filfiley
Una Cantante estraordinaria
Michael Bublé - Selección: Call Me Irresponsible
Liza Minelli, cuando estuvo en la Argentina, este año,
dijo que era el sucesor de Frank Sinatra.
Weather Report - 8:30
Conjunto de un nivel superlativo, con el genial Joe Zawinul
RBerdi
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Conjunto de un nivel superlativo, con el genial Joe Zawinul
RBerdi
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lunes, 13 de agosto de 2007
Charly Garcia y Serú Girán - Viernes 3 A. M.
-Seru Giran
Charly García: teclados y voz
David Lebón: guitarra y voz
Oscar Moro: batería
Pedro Aznar: bajo
Las primeras sesiones de grabación comenzaron en los estudios El Dorado de San Pablo, y culminaron en ABC Recording Studios de Los Angeles, Estados Unidos.
"Serú Girán" (1978) contó con la colaboración de Daniel Goldberg, quien tenía a su cargo los arreglos musicales y la dirección de la orquesta de 24 músicos que participó en algunos temas como "Eiti-Leda" o "Serú Girán".
La complejidad armónica de este proyecto demuestra que, desde el comienzo, las ambiciones que tenían apuntaban mucho más alto que la del resto de los músicos nacionales de ese momento.
El resultado final del disco los entusiasmó mucho: sonaba como una fusión de jazz-rock con música brasilera.
Pedro recuerda: «...cuando apareció ese álbum, la prensa le dio una importancia infernal, se creó todo una caso... había un inmovilismo total».
La revista Pelo, una de las publicaciones especializadas de la época, decía: «"Serú Girán" es un álbum compacto, extremadamente pulido en su producción, a pesar de lo cual suena menos armado que La Máquina de Hacer Pájaros. (...) Serú Girán debuta con un buen álbum. Una música que trasluce los nuevos horizontes de García y sus nuevos compañeros de ruta.» (Pelo Nº104).
El primer show en vivo de Serú Girán tuvo lugar en el Riachuelo, a bordo de un barco anclado. Este recital - al cual sólo asistieron periodistas, músicos y amigos - tenía la finalidad de observar la respuesta de la crítica especializada. Esa noche el grupo se mostró sólido y contundente, lo que parecía, abriría las puertas del público masivo rápidamente.
El debut en vivo de la banda ante el público porteño ocurrió dos semanas después, el 28 de julio de 1978, en el estadio Luna Park, con orquesta (sección de cuerdas y vientos) y circuito cerrado de televisión. En al parte trasera del escenario, una pantalla gigante mostraba a los músicos dirigiéndose a escena. David, Pedro y Oscar salieron vestidos totalmente de blanco, mientras que Charly eligió una malla negra, saco y zapatillas.
El comienzo del recital, con la orquesta a pleno interpretando la poderosa introducción del tema "Serú Girán", presagiaba una noche inolvidable. No fue así. Cuando tocaron el tema "Disco Shock"- una sátira de la música disco, tan en boga en el momento - la gente presente creyó que era en serio y, tras un coro de silbidos, empezaron a pedirle a García el "Blues del Levante", el tema que había compuesto con motivo de la despedida de Sui Generis.
El público quedó desconcertado y el resto del recital transcurrió ante la indiferencia general. La gente no había entendido el mensaje, o Serú no había sabido expresarlo.
Las críticas de los medios contra la banda arreciaron. El diario La Opinión, por ejemplo, publicó que eran lo peor que había en la Argentina, y sostenía que tenían «voces homosexuales». Estas declaraciones eran la culminación de una "campaña de desprestigio" que había tenido lugar contra García, mientras el grupo estaba ensayando en Brasil. La vanguardia de esa campaña había sido el titular: «Charly García, ¿ídolo o qué?».
Para el segundo trabajo discográfico, "La Grasa de las Capitales" (1979), Serú eligió una propuesta mucho más directa. Eliminaron la orquesta, que no había sido totalmente aceptada por el público, y compusieron temas más simples y directos.
La crítica de la revista Pelo a este disco fue bastante positiva: «"La Grasa..." es un disco que va a tener admiradores y detractores igualmente incondicionales. Por un lado, estarán los que darán la bienvenida a un García que abandonó la complejidad y retorna a la temática de crítica social que tan bien desarrolló anteriormente. Y por el otro, habrá quienes condenen esta simplicidad como falta de progreso. Pese a todo, es uno de los trabajos más logrados del año.» (Pelo No 122).
Los rumores de separación quedaron desacreditados con la presentación del long-play, a lo largo de seis funciones en el Auditorio Buenos Aires, previa gira por las ciudades de Córdoba, San Luis y Mendoza. Tras la experiencia frustrante del comienzo, prefirieron no exponerse demasiado y escogieron un lugar pequeño.
El show comenzó en la oscuridad total, mientras se escuchaba el playback del coro de introducción al tema "La Grasa...". Acto seguido, se encendieron todas las luces y la banda irrumpió en el escenario. "Viernes 3 AM", "Perro andaluz" y "Los sobrevivientes" fueron los temas más festejados por el público. También hubo lugar para la nostalgia:
"Seminare" y "Eiti-Leda" obtuvieron el reconocimiento de la gente, durante los bises. A fuerza de recitales y tenacidad, Serú logró revertir las opiniones de la crítica y del público. Allí comenzó a gestarse el fenómeno masivo que aún hoy persiste.
El siguiente álbum de Serú Girán se llamaría "Bicicleta" (1980). Años más tarde se recordaría el tercer disco de Serú Girán como lo mejor de la agrupación, llegándoselo incluso a comparar con "Abbey Road", el transformador duodécimo LP de los Beatles. Sin embargo, en ese entonces, los medios «especializados» no le atribuyeron al material tanta importancia.
Por ejemplo, Pelo comentaba: «...el tercer álbum de Serú Girán probablemente recorrerá el camino del éxito que tuvieron los anteriores, pero es difícil que "Bicicleta" representa plenamente el poderío de esta banda. (...) Serú Girán llegó al máximo de sus posibilidades sobre un escenario, pero todavía le falta andar mucho camino en los estudios». (Pelo No 139).
El disco "Bicicleta" - nombre que en un principio Charly había propuesto para el grupo, pero fue rechazado por el resto - fue presentado en Obras, el 6 y 7 de junio de 1980. En el escenario se podían observar ruedas de bicicleta, conejos y flores, algo que llamó la atención del público y de la prensa, por ser el primer grupo que tenía algún tipo de preocupación por la puesta en escena.
El hecho se debió a que Serú Girán había delegado la responsabilidad escenográfica a Renata Schussheim, una vieja amiga de Charly. A partir de "Bicicleta", Serú Girán comenzó con sus grandes shows.
Un mes después, en agosto de 1980, se presentaron en el Monterrey Jazz Festival, en Río de Janeiro. Tradicionalmente, los representantes argentinos en este festival estaban más vinculados al jazz o al tango que al rock progresivo que proponía Serú. Ese año el concierto se dividió en dos partes. En la primera, se presentaban Serú, el guitarrista Pat Metheny y George Duke.
El éxito obtenido por los argentinos en esa función fue tal, que los organizadores les ofrecieron volver a tocar en la segunda - la principal - junto a John McLaughlin, Hermeto Pascoal, Edgberto Gismonti y Weather Report.
«Cuando tocaba McLaughlin, la gente patinaba y le tiraba avioncitos de papel. ¡Yo me quería morir! Si a McLaughlin le hacían eso, a nosotros nos achuraban», recuerda García. Sin embargo, esta predicción resultó completamente errónea. La principal razón de la respuesta favorable del público residió en la variedad de matices en los temas interpretados por ellos y, asimismo, algunos de éstos tenían una cadencia marcada que invitaba al baile.
Este festival marcó dos hechos muy importantes para la vida del grupo. Por un lado, se hicieron conocer y dejaron una muy buena impresión entre los cariocas, hecho destacado incluso por la prensa argentina (Clarín, 28/08/80).
Por el otro, allí fue donde Pat Metheny conoció a Pedro Aznar: el comienzo del fin.
Antes de terminar el año, otros dos hitos en la Historia del Rock Nacional tendrían como protagonistas al grupo. El primero, fueron los dos recitales (12 y 13 de setiembre) en los que tocaron junto a Spinetta Jade. Es un hecho histórico que dos grupos de semejante magnitud estuvieran simultáneamente en el escenario.
Cuando apareció Luis Alberto Spinetta y arrancó con el tema de Sui Generis "Cuando ya me empiece a quedar solo", la gente entendió que no se encontraba ante un recital común.
Luego, de la oscuridad, surgió Charly con el tema "Que ves el cielo".
Bajo un clima enfervorizado, Lebón interpretó "Música del alma" y luego entraron todos los demás: Aznar y Moro, por un lado, Spinetta, Pomo, Satragni y Rapoport y Del Barrio por el otro.
Juntos tocaron temas de la agrupación comandada por el Flaco, y la gente aplaudió a rabiar. El recital se cerró con los dos grupos sobre el escenario interpretando "El mendigo en el andén" y "Crisálida".
La actuación de Spinetta Jade fue muy aplaudida, pese a su difícil estilo. Fue notorio el esfuerzo de Spinetta por lograr mayor simpleza en su música, para que el público de Obras pudiera entender su mensaje. Serú Girán, en cambio, fue ovacionado desde el comienzo, dejando en evidencia el increíble «feeling» que tenía con la gente.
El otro hito importante tuvo lugar en la Rural. El 30 de diciembre, 60.000 personas, según cifras de la Policía Federal, se congregaron para escuchar a la banda número uno:
«... el picadero de la Rural estaba abarrotado. Una compacta cola (...) llegaba hasta la estación Pacífico.
Aunque la Policía no encontraba clave alguna en la letra de "Alicia en el País", repetida hasta el cansancio, igualmente retuvo a un puñado de muchachos. Los productores negociaron y finalmente ese 30 de diciembre no hubo detenidos» (Ramos / Lejbowicz, pág.23).
García comentaba: «...con este asunto de ir a los recitales y que te lleve la cana, la gente al final se da cuenta de que lo único que te pasa es que vas a dormir en una comisaría, pero que nadie puede para toda la onda». (Humor, año 1981).
En 1981 el presidente de facto Roberto Viola buscó acercarse a los músicos. Inteligentemente, utilizó la fuerte ascendencia de éstos sobre la juventud, para mostrar al país su «aflicción» por los problemas que sufrían los jóvenes.
Los rockeros no salían de su asombro. Spinetta recuerda una anécdota al respecto:
«Yo les batí un par de cosas y también les sugerí que construyeran el observatorio más grande del mundo... un delirio, pero qué les iba a decir?» (Berti, pág.60).
En el tema "Encuentro con el diablo", David Lebón ironizaba sobre esta reunión: «nunca pensé encontrarme con el jefe / en su oficina de tan buen humor / pidiéndome que diga lo que pienso / qué es los que pienso yo de esta situación.»
"Peperina" (1981), el cuarto disco de Serú Girán, que se había empezado a grabar en abril, fue lanzado para fines de ese año. La historia de Peperina es conocida: «Quiero contarles una buena historia / la de una chica que vivió la euforia / de ser parte del rock / tomando té de peperina».
El tema trata acerca de una señorita que escribía notas de rock en Córdoba. Siempre que Serú tocaba en esa ciudad, ella calificaba la presentación uno «un bochorno». De más está decir que, pese a sus defenestrantes críticas, los estadios se llenaban. Se dice que cuando escuchó «su» tema por primera vez, acotó que Serú Girán seguía sin gustarle, pero que García era "un buen sociólogo" (?).
Con respecto al disco, Charly sostiene que es un adelanto notable en cuanto a la calidad de grabación. Sin embargo, la revista Pelo no se mostró muy conforme con este trabajo: «Peperina no impresiona como un álbum compacto. En él hay canciones que nítidamente se diferencian de nivel, literaria y musicalmente. (...)
Tienen marcas familiares de toda la música de Serú: canciones melancólicas, melodías agradables sobresaltadas por algún riff ardiente y las mismas falencias de producción que el grupo arrastra desde su primer trabajo discográfico (...) El disco no decepcionará a los seguidores, pero no tiene la homogeneidad de "La Grasa..." y plantea el interrogante sobre el futuro (...)
Llegó el momento difícil: están en la cima y lo que hagan puede hacerlos afirmar o tambalearse». (Pelo Nº154).
Por el contrario, Gloria Guerrero, en el número 63 de Humor, comentaba: «El álbum, por lo poco que pude escuchar de él en un cassettito, la gasta, y tal cosa no me sorprende». En el número siguiente, completa: «...probablemente, "Peperina" no representa un 'enorme' paso al frente luego de su trabajo anterior. Parece, a fuerza de ser sinceros, algo así como un "álbum complementario" de "Bicicleta", aunque más suelto y espontáneo».
Los días 4, 5 y 6 de setiembre el disco fue presentado en el estadio Obras.
En honor al Sgt. Pepper's de Los Beatles, Serú Girán salió a escena con un show simple.
Esta sencillez permitió que la conjunción música-imagen se diera sin altibajos. En principio, cuando Charly y David compusieron los temas de este disco, García pensó que se trataba más de una película que de un long-play. Por eso se le ocurrió la idea de poner en el recital una pantalla gigante, proyectar videos grabados especialmente y que el grupo tocara en penumbras, acompañando a esas imágenes. Lo que impidió la concreción de esta idea fue el techo demasiado bajo del estadio: la pantalla taparía gran parte del escenario y ellos quedarían ocultos casi completamente. Finalmente, la idea fue descartada.
Para despedir el año, tocaron el 25, 26 y 27 de diciembre en el teatro Coliseo, en la Capital Federal. Para esos shows, Charly contrató a las Bay Biscuits, un grupo de teatro-rock integrado por Vivi Tellas, Mayco Castro Volpe, Lisa Wakoluk, Diana Nylon y Fabiana Cantilo (ésta última sería luego corista estable de la banda de Charly). El número iba intercalado en el concierto y fueron recibidas con chiflidos e insultos de todo tipo.
En enero del '81 Aznar es convocado por el guitarrista norteamericano Pat Metheny para incorporarse a su banda.
Acordaron encontrarse en Estados Unidos, ya que Pedro viajaría al año siguiente para estudiar en la Universidad de Berklee. Este hecho marcaría el final de la banda.
Las críticas de los discos anteriores coincidían en una cosa: a Serú, en estudios, le faltaba la fuerza y la energía que tenía en vivo. Fue necesario esperar hasta el final mismo de esta agrupación (al menos en ese momento la disolución era definitiva) para conseguir el registro de ese material.
«Cuando Pedro me comentó que se iba, me sentí muy mal - rememora Charly - porque habíamos logrado un grupo que sonaba muy bien (...) Habíamos conseguido mucha comunicación con la gente (...) Además, se nos estaban abriendo las puertas de Europa y sin él no lo vamos a poder aprovechar.
Por otro lado, Pedro es un músico que está muy por sobre el nivel de lo que es la Argentina ahora (1982) y era lindo tocar con un tipo así. Pero también me sentí muy bien porque Pedro tiene otras perspectivas de vida y otros gustos musicales. El quiere realizarse como persona, y me parece bárbaro». (Pelo Nº160).
Cuando Aznar le anunció al grupo que se iba, todos decidieron tomarse un tiempo para reflexionar. Fue así que Charly viajó a Brasil para trabajar en su primer disco solista; David se tomó unas vacaciones en Punta del Este y Oscar se quedó en Buenos Aires. Al mes siguiente (febrero de 1982), los cuatro músicos se reunieron para realizar una gira por la Costa Atlántica: San Bernardo, Villa Gessell, Necochea, Pinamar, Miramar, Santa Teresita y, obviamente, Mar del Plata fueron los sitios elegidos por la banda. El día final de la agrupación estaba cada vez más cerca.
Pero la historia del grupo merecía un broche de oro: era necesario un Adiós Serú Girán.
Debía ser un concierto espectacular y se organizó para los días 6 y 7 de marzo en Obras Sanitarias, la Catedral del Rock.
En esa oportunidad, el grupo «...sonó como nunca y la labor de los músicos en el escenario no escatimó fervor, a pesar de estar grabando en vivo.
Charly, David, Pedro y Oscar ofrecieron un espectáculo sólido, vibrante y emotivo, y en el cual se evidenció un soplo más rockero en el estilo del grupo.
Pedro Aznar fue despedido con una ovación porque, a pesar de que sus gustos musicales distaban de los del resto del grupo y del público en general, le dio a Serú (...) un sonido muy particular y distintivo». (Leyendas Nº7).
Temas
01. Perro andaluz.mp3
02. Noche de perros.mp3
03. Viernes 3 A.M..mp3
04. La grasa de las capitales.mp3
05. Voy a mil.mp3
06. Cancion de Hollywood.mp3
07. El mendigo en el andén.mp3
08. Autos, jets, aviones, barcos.mp3
09. Separata.mp3
10. Paranoia y soledad.mp3
11. Los sobrevivientes.mp3
12. Frecuencia modulada.mp3
13. Seminare.mp3
14. Eiti-leda.mp3
Link
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Último CD grabado de Arco Iris (Gustavo Santaolalla era el leader)
Agitor Lucens V
http://rapidshare.com/files/20415154/RBerdi_Arco_Iris-AgitorLucensV-74.rar.html
Y otro documento importante es cuando formó Soluna:
Esta fué su última grabación antes de ir a trabajar a EE.UU.
http://rapidshare.com/files/18338639/RBerdi_Gustavo_Santaolalla-Soluna-Energia_natural.rar.html
domingo, 12 de agosto de 2007
La Banda Elástica - La Música de La Banda Elástica - Volumen 1
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La Banda Elástica
La Banda Elástica
Cómo empezó la historia...Por Ernesto Acher
En el verano de 1987, después de mucho tiempo me reencontré con Jorge Navarro y a fines de ese año le propuse armar un grupo que tuviera como base su trío de entonces, con Juan Amaral en bajo y Pocho Lapouble en batería, agregando a Carlos Costantini en trompeta, Juan Carlos Bazán en clarinete, Hugo Pierre en saxos, Ricardo Lew en guitarra y yo en trombón.
Tuvimos dificultades de entrada pues Bazán primero y luego Lapouble tuvieron que abandonar el proyecto.
Por sugerencia de Hugo, se incorporó Enrique Varela en saxos y a propuesta mía el Zurdo Roizner en batería.
Tal vez deba figurar en el Guinness, pero lo cierto es que los ocho estuvimos ensayando y probando cosas durante los primeros seis meses del ´88, de nueve de la mañana a una de la tarde, y si bien las caras de sueño a veces daban susto, nunca faltó nadie.
La idea inicial era una suerte de bandita dixieland con variantes, pero a medida que probábamos cosas apareció un grado de versatilidad que al principio no estaba en los planes.
La cosa era divertirse tocando de todo, jazz, tango, folklore, salsa y todo lo que se nos ocurriera, y actuar de vez en cuando en un pub o en algún “country”.
Un encuentro casual con Alfredo Zemma, amigo del ambiente teatral y en ese entonces director del Teatro Nacional Cervantes, derivó en una invitación para un ciclo de trasnoche que se iba a hacer en julio.
El ciclo no se hizo pero un día llamó Zemma diciendo que ya que el estreno de “Saverio el cruel” se postergaba, ofrecía hacer la presentación del grupo un sábado!!! (18 de junio) Y en horario central!! Y nos caímos de espaldas...
Nos pusimos a trabajar como locos porque, entre otras cosas, el grupo
ni siquiera tenía nombre y estábamos a poco más de un mes de la fecha.
Tuvimos el apoyo de muchos amigos, en especial de José Tarica (que prestó el lugar de ensayo) y Armando Rapallo (periodista de Clarín) y para nuestra sorpresa, la noche del estreno el Teatro Cervantes estuvo lleno hasta el tope.
Ahí comenzó un sueño que, aunque duró menos tiempo del que merecía, guardo en el mejor lugar del corazón por los muchos momentos de felicidad que me dió y estoy seguro que mis compañeros sienten lo mismo.
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La Banda Elástica - Volumen 1
Temas
Sweet Georgia Brown (Casey / Pinkard)
Parapaco (R.Lew / E.Acher)
Homenaje al trío de Benny Goodman a. Rose room (Williams) b. If I had you (Campbell)c. Avalon (Rose)
A pura ushuta (M.Ponce)
Flores negras (F. De Caro)
Casi blues (E.Acher)
Luna Tucumana (A.Yupanqui)
Pequeño Gershwin Ilustrado (Gershwin – Arr: E.Acher) A). Rhapsody in blue B). The man I love C). Lizad Summertimee Lady be goodf. Bess you is my womang. I got rhythm
Proud Mary (J.Fogherty)
Seresta (M. Fest)
Curitiba (C.Costantini)
Struttin’ with some barbecue(Lil Armstrong)
Grabado julio 1990
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