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sábado, 4 de agosto de 2007

Teté Montoliú - Brasil Clásicos

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Teté Montoliú
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La figura del extraordinario pianista barcelonés, Tete Montoliu,
(1933-1997)
ha brillado con luz propia y casi en solitario durante muchos años.
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Tete, como todos los aficionados al jazz en España lo conocíamos, nació en el seno de una familia barcelonesa de gran vocación musical:
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su padre integraba la Banda Municipal y la Gran Orquesta del Liceo, y su madre era una entusiasta aficionada al jazz.
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Niño prodigio, ciego de nacimiento, a los cuatro años, cuando ya garabateaba con notable precisión los primeros compases de pequeñas piezas clásicas, realizó un curso de música en la Escuela de Ciegos de Barcelona y posteriormente cursó estudios en el Conservatorio Superior de Música de la Ciudad Condal, iniciándose en el jazz atraído por la escucha, paciente y entusiasmada de otro gran pianista ciego, el maestro, Art Tatum.

Tete, tuvo la suerte de ser oído por el gran maestro del vibráfono, Lionel Hampton, que quedó deslumbrado por la expresividad de Montoliu, que entonces se ganaba la vida tocando en un oscuro pub barcelonés.
El músico estadounidense lo invitó a sumarse a la gira europea de su banda.
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También tuvo la suerte de que otro gran músico, el saxofonista afincado en Barcelona,
Don Byas, le animara a tocar con el en el mítico club "Jamboree" de la Plaza Reial de Barcelona.
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Desde entonces, Tete, tocó con casi todos los grandes maestros del jazz:
los saxofonistas John Coltrane, Dexter Gordon, Ben Webster, Paquito D'Rivera y Stan Getz;
El trompetista Chet Baker ; el baterista, Elvin Jones y el violinista, Stephane Grappelli entre otros.
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A finales de los años cincuenta, dio sus primeros recitales en Nueva York, en el célebre club,
"Up of the Gate" y fue distinguido como mejor pianista europeo de jazz por sus propios compañeros.
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Entre sus principales trabajos discográficos, más de sesenta discos grabados en distintos formatos, destacan "Body & Soul" (Black Lion, 1971), "Tete!" (Steple Chase, 1974; "Tete a Tete" (Steple Chase, 1976), "Lunch in L.A" (Original Jazz, 1979)."The Man From Barcelona" (1990) o por fin el extraordinario directo en Madrid, "Tete en el San Juan" (Melopea, 1997).
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Tete Montoliu, falleció el 24 de agosto de 1997 en Barcelona.
El jazz en España está en deuda permanente con este gran músico.
http://www.apoloybaco.com/tetemontoliubiografia.htm
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Tete Montoliu - Brasil Clasicos
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Temas

1 - Desafinado, Meditación, Tristeza.mp3
2 - Mujer Hilandera, Bahía, Brasil.mp3
3 - Chica de Ipanema.mp3
4 - Canto de Ossanha, Wave, Solo bailo samba.mp3
5 - Orfeo Negro.mp3
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Link
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jueves, 2 de agosto de 2007

Adrian Iaes - Presentacíón en La Trastienda - - - Su Música








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Adrian Iaes






Como casi ningún otro músico de la escena del jazz, el pianista Adrián Iaies encarna el crecimiento exponencial del género.

Diez años atrás, tras desarmar el grupo Touch, tocaba los miércoles en Dr. Jeckill, en la calle Monroe, con Paco Weht en el bajo y Oscar Giunta en batería.

Probaba, por aquellas noches, una forma de aproximación desde el jazz al tango.

El tiempo demostró que más que un acercamiento entre ambos géneros, Iaies acechaba una nueva forma de lenguaje. Una manera diferente de desarrollar su sensibilidad a la hora de interpretar.

Varios discos, un sinnúmero de giras por el exterior y el paso por varios teatros locales fueron dejando en evidencia lo acertado de su camino.

Cuando parecía que el pianista se ponía cómodo en su papel de jazzman tanguero, dejó ese camino de lado y se volcó de manera integral al jazz y a la composición.

Iaies acaba de lanzar su disco triple Unodostres, solo y bien acompañado , que presentará esta noche, a las 21, en La Trastienda, Balcarce 460, con Ricardo Cavalli en saxofón, Miguel Tarzia en guitarra, Arturo Puertas en contrabajo y Pepi Taveira en batería como músicos invitados.

"Hace cinco años que no grababa y venía de hacer discos con pocas composiciones mías. En realidad, tocaba versiones de otras versiones, así que necesitaba componer; no había hecho nada nuevo", dijo el pianista a modo de inicial explicación durante la entrevista con LA NACION.

Iaies contó que la idea de este disco, que no nació con la expectativa de tener trillizos, era romper con todo lo que había hecho anteriormente.

De ahí también la idea de tocar con otros artistas que le permitieran otro vuelo; nada conocido hasta ese momento.

"Durante un ciclo de dúos en Notorious me junté con Ricardo Cavalli, con Juan Cruz de Urquiza, con Mariano Otero y con Mariana Baraj, entre otros, y fue en esas noches que me decidí a intentar registrar esa interacción que conseguíamos", dijo el músico que, de todos modos, mantuvo como principio rector el disco de solo piano, primer CD de la caja que representa el primer trabajo triple del jazz en la Argentina.

El disco es un tributo al pianista John Lewis, para quien cada nota debía estar justificada,
debía tener un peso propio y un sentido.

En el primer disco está la "Suite John Lewis", núcleo conceptual de esta propuesta.

"Lo grabé en octubre del año último en la casa de Rakel Zone, que tiene el Steinway más lindo que toqué en mi vida.

Llegué ahí gracias a Carlos Melero, productor del disco y quien colaboró fuertemente en la calidad de este trabajo. Después esperé un tiempo y desde allí concebí los otros dos discos, en dúos y en tríos", comentó el músico, que incluyó dos versiones de "My One and Only Love", una en el disco de solo piano y la otra con Cavalli. Sobre este tema y algunos otros hizo especial hincapié. "Sabía que Cavalli podía llegar bien lejos con esta balada", agregó. Respecto de "Nefertiti" señaló que la forma en la que Taveira toca sobre los toms le dio un tono novedoso e interesante.

Y vuelve sobre el punto:

"Mi idea no fue juntar músicos y hacer versiones.

El solo piano es una guía, algo así como el mapa del disco; en los dos restantes trabajo de anfitrión, es decir, doy el espacio a los invitados; de ahí que tuve que elegirlos con mucho cuidado.

Como si alguien fuese a hablar en tu reunión, uno no sólo tiene que quererlo, también tiene que confiar en el orador y quedé sorprendido por el nivel que alcanzamos. Tarzia, Juan Cruz [por Urquiza], Cavalli y Taviera tocaron con un compromiso que es la mayor ventaja que tiene hoy el jazz en la Argentina.

En otros lados, hay muy poco de eso.

Aquí, salvo excepciones, los músicos jóvenes están subidos a este barco", señaló Iaies, quien también fue explícito sobre las modas que atraviesan la escena local.

"Entiendo que todo tiene su tiempo y que, de pronto, aparece la idea de hacer música abstracta, poque lo hacen cabezones como Paul Bley o Fred Hersch, pero la música está en la melodía", explicó y es claro que el pianista hace un dogma de fe de este principio musical:

lo importante es la melodía.

"Seguir lras modas termina por despersonalizar al artista; se pierde el carácter propio, que en este caso afecta al mensaje y su profundidad", dijo.

Sobre su actividad, Iaies mostró que más allá de la dirección artística del sello S Jazz y de ser el programador del festival que el sello efectuará desde el 15 de noviembre en el Metropolitan, abrió la cancha como compositor de música para películas y alguna incursión en música para teatro.

"Es el mejor de los mundos. Hacer música para película es ponerla al servicio de la imagen.

Ahí cuentan los segundos y los minutos, y todo tiene un sentido preciso.

Extenderme en un solo o en una frase disuelve la fuerza de la imagen, deteriora el mensaje y hasta puede distraer al espectador"

, relató el pianista, que hizo la música de Tres corazones , la película dirigida por Sergio Renán estrenada hace unos meses, y la de Regresados , de Nardini y Bernards, los mismos que filmaron 76 89 03 , que se conocerá este año.

En teatro hizo la música para Antes muerto , escrita y dirigida por Moro Anghileri, en la que actúa ella y Carlos Portaluppi, y que se estrenó hace dos semanas en la sala Beckett. En definitiva, un pianista que arriesga y cuya historia muestra que ha ido consiguiendo los mejores resultados.

Por César Pradines
Para LA NACION
http://www.lanacion.com.ar/entretenimientos/nota.asp?nota_id=930785



¿Por qué John Lewis?

A Iaies, siempre lo atrajo John Lewis por la importancia que le daba al uso de los silencios como un generador de tensión musical incomparable.

"Ese uso del silencio tiene un sentido distinto del que uno puede encontrar en Miles Davis, donde hay un juego casi impresionista, o en João Gilberto, en el que se advierte una búsqueda casi minimalista, por ejemplo.

En Lewis tiene más que ver con una especie de obsesión por hablar de una sola cosa por vez y, si hiciésemos una analogía con un escritor, diría que es la correcta utilización de los signos de puntuación, en busca de sacarle a cada frase, a cada palabra el máximo jugo posible", explicó el pianista.

El arreglo que hizo de "Blue Monk" es un homenaje a la versión de "Round Midnight" que Lewis grabó en su Private Concert , uno de los discos de referencia para Iaies, junto con The Garden of Delight (un disco de trío con contrabajo y guitarra).

Link

Adrian Iaies - Las Cosas Tienen Movimiento - 2002
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miércoles, 1 de agosto de 2007

Joe Cocker - Live


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Joe Cocker
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British white-soul singer Joe Cocker parlayed Ray CharlesPish vocals and an eccentric stage presence into a string of late-'60s hits only to suffer from his excesses in drugs and alcohol by the mid-'70s.
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In the '80s and '90s, however, he went from tragic figure to well-respected interpreter, and his gritty, powerful voice remains one of the most distinctive in rock & roll.
Cocker attended Sheffield Central Technical School and worked as a gas fitter for the East Midlands Gas Board.
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In 1959 he joined his first group, the Cavaliers, playing drums and harmonica.
He moved to lead vocals in 1961, and the band changed its name to Vance Arnold (Cocker) and the Avengers.
They released regional singles and toured locally with the Hollies and the Rolling Stones.
Decca offered Cocker a contract in 1964, and he took a six-month leave of absence from the gas company.
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Cocker's version of the Beatles' "I'll Cry Instead" (which he hated so much that he refused to sing it onstage) and an English tour opening for Manfred Mann were ignored, and he went back to his day job.
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The following year Cocker and keyboardist Chris Stainton assembled the Grease Band with guitarists Henry McCul-lough and Alan Spenner and two other musicians.
They played Motown covers in northern England pubs until 1967, when producer Denny Cordell became Cocker's manager and persuaded him and the band to move to London.
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A Cocker-Stainton song, "Marjorine" became a minor British hit, and after some exposure in London, Cocker and the Grease Band recorded With a Little Help From My Friends in 1968 with guests Jimmy Page, Steve Winwood, and others.
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The title track, one of many cover versions Cocker would record over his career, went to #1 in England and #68 in the U.S.
His explosive performance of the song at Woodstock was a festival highlight, and his habit of wildly flailing his arms as he sang became as much a rock archetype as Pete Townshend's windmill.
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When Cocker sang Traffic's "Feelin' Alright" on The Ed Sullivan Show in 1969, the program's producer hid him behind a group of dancers -- shades of Elvis Presley and his wiggling hips.
During the U.S. tour, Cocker met Leon Russell, who wrote "Delta Lady" and coproduced Joe Cocker!, the Grease Band's swan song.
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Russell also pulled together the assemblage of musicians, hangers-on, and animals for the boisterous Mad Dogs and Englishmen tour Cocker made in 1970, resulting in a #2 live double album that yielded a pair of hits -- "The Letter" (#7, 1970) and "Cry Me a River" (#11, 1970) -- and a film. But the tour left Cocker broke and ill.
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On a 1972 tour, with Stainton again leading the band, Cocker was often too drunk to remember lyrics and to hold down food, although material from that tour was released in 1976 as Live in L.A. Cocker toured Britain and then Australia, where he was arrested for possession of marijuana.
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At the height of his troubles, Cocker had one of the biggest hits of his career, the achingly tender modern standard "You Are So Beautiful" (#5, 1975), written by Billy Preston.
He recorded regularly throughout the '70s, but without much success.
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In 1976 he sang on TV's Saturday Night Live, with comedian John Belushi doing a deadly accurate parody behind him. Given Cocker's state at the time, it seemed more cruel than funny.
Cocker's career turned around in 1982.
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A duet with Jennifer Warnes, "Up Where We Belong," from the movie An Officer and a Gentleman, hit #1.
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Since then, several other Cocker songs have graced films, including his version of
Randy Newman's "You Can Leave Your Hat On" (91/2 Weeks, 1986) and "When the Night Comes" (An Innocent Man, 1990).
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The latter, a dramatic hard-rock ballad cowritten by Bryan Adams, hit #11 in 1990.Cocker, who moved to Colorado in 1991, continues to record and tour -- sometimes accompanied by old friend Chris Stainton -- and remains a popular live attraction in Europe.
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His 1994 album, Have a Little Faith, hit the U.K. Top 10, and at the request of his German label he revisited several songs from his own catalogue, including "You Are So Beautiful" and "Delta Lady," on 1996's Don Was-Pproduced Organic.
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From the Third Edition The Rolling Stone Encyclopedia of Rock & Roll
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Temas
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01 - FEELIN' ALRIGHT .mp3
02 - SHELTER ME.mp3
03 - HITCHCOCK RAILWAY.mp3
04 - UP WHERE WE BELONG.mp3
05 - QUILTY.mp3
06 - YOU CAN LEAVE YOUR HAT ON.mp3
07 - WHEN THE NIGHT COMES.mp3
08 - UNCHAIN MY HEART.mp3
09 - WHIT A LITTLE HELP FROM MY FRIENDS.mp3
10 - YOU ARE SO BEAUTIFUL.mp3
11 - THE LETTER.mp3
12 - SHE CAME IN THROUGH THE BATHROOM WINDOW.mp3
13 - HIGH TIME WE WENT.mp3
14 - WHAT ARE YOU DOING WHIT A FOOL LIKE ME.mp3
15 - LIVING IN THE PROMISELAND.mp3
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Link
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martes, 31 de julio de 2007

Juan Carlos Baglietto - Lo mejor de Juan Carlos Baglietto



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Juan Carlos Baglietto
Entrevista
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Creo que la misma
no tiene desperdicio
RBerdi
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Es uno de los grandes creadores e intérpretes de la canción argentina.
Formó parte de la exitosa y renovadora Trova Rosarina.
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Luego se volcó a un repertorio que rescató a grandes autores de la nuestra música, como Atahualpa Yupanqui, Homero Manzi y Cátulo Castillo.
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“En Rosario hay respeto por la palabra”.
Juan Carlos Baglietto lleva un rato hablando de su vida, su oficio y sus proyectos en una tarde a pleno sol y calor en la Rural de Palermo.
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El trovador rosarino, el mismo que desembarcó en Buenos Aires hace ya 25 años, subraya el cuidado por la palabra para reconocer su admiración por otro gran rosarino:
el Negro Fontanarrosa.
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Y qué mayor autoridad que la de Baglietto para hablar del respeto por la palabra, si mostró su amor por la poesía hecha canción allá por los comienzos de los ochenta, cuando el fulgor de una democracia que recién renacía llevaba a la gente a copar las plazas para escucharlo y corear con este hombre de voz inconfundible e histrionismo escénico himnos de aquellos tiempos, como
Era en abril o Mirta, de regreso.
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Un cantautor que esquivó los encasillamientos y dejó la comodidad de pertenecer a la Trova para registrar con su voz en nuevos discos a maestros de la palabra como Homero Manzi, Atahualpa Yupanqui o hasta el mismísimo Jorge Luis Borges, en tiempos en que el tango y el folklore se habían vuelto casi mala palabra para buena parte de la juventud capitalina, a comienzos de los noventa.
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Baglietto está sentado en la silla giratoria de un camarín, detrás de un gran escenario montado para participar, en pocas horas, de un concierto solidario a beneficio de la Fundación del Hospital de Pediatría Juan Garrahan.
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Viste chomba, bermudas y zapatos náuticos, y comparte el lugar con Lito Vitale, su último compañero de aventuras, con el que grabó varios discos y recorrió cientos de rincones del país.
Cuenta que siguen siendo grandes amigos, pero que ahora van por caminos separados.
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Baglietto formó una banda propia y está sacando su primer disco solista en muchos años.
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Toma la palabra, vuelve a su ciudad y analiza la identidad del rosarino.
“Hay una música rosarina que, sobre todo, por sus poetas, se diferencia de la poesía que se escribe en otros sitios de la Argentina. En Rosario hay mucha gente escribiendo, hay buena madera.
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También hay otros humoristas, pero tenemos la suerte de que el negro Fontanarrosa sea rosarino y, además, de que sea un talento innato.
Es un humorista con contenido, que profundiza, y al que le interesa la palabra a tal punto que escribe libros.
El Negro no intelectualiza el humor, pero es un tipo con sustento. Por eso algunos autores rosarinos tienen una característica particular, ese sustento que te da el que te importe lo que estás diciendo”.
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A Baglietto siempre le importó qué decir.
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Así, en uno de los más duros tiempos de la Argentina, allá por el 2001, junto con Vitale sacó el disco ¿Qué más hacer en esta tierra incendiada si no cantar? y lo recuerda así:
“El canto en alguna medida puede ser una especie de ungüento: no cura, pero calma. Es un bálsamo.
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En tal caso los artistas podemos ser relatores de la realidad, pero no sé si estamos en condiciones de cambiarla, por lo menos a través del canto.
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Uno va creciendo y entendiendo que es así.
Cuando tenés 16 ó 17 años pensás que vas a cambiar las cosas con la música, o con el oficio que tengas.
Después, con lo que hacés te das cuenta de que podés generar un mínimo cambio en tu entorno inmediato”.
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La gira para presentar aquel disco fue para el músico la oportunidad de redescubrir la Argentina y conocer otras realidades:
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“En los viajes uno aprende a entender la realidad de la Argentina, que no tiene nada que ver con la de Buenos Aires.
La realidad del interior es muy distinta a ésta, lo veo en la idiosincrasia de la gente, en su forma de ser y de vivir, y hasta lo veo en su pobreza.
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Pensamos que nuestra realidad no es la misma que la latinoamericana, pero basta con salir al conurbano para darte cuenta de que es la misma que en Paraguay, Bolivia, Ecuador y los demás países.
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Pero desde Buenos Aires nos resistimos a verlo, a ser latinoamericanos: queremos seguir siendo europeos.
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Igualmente en el interior hay grandes conglomerados como Córdoba, Mendoza o Rosario.
Pero aun ahí tenés otra forma de ver las cosas, son otras velocidades.
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De todos modos yo elegí vivir en Buenos Aires. Me han preguntado si volvería a vivir en Rosario u otra ciudad del interior. Y creo que esos sitios me ofrecen una tranquilidad que hoy no quiero.
Pero por cómo soy, espero que en la última etapa que me toque vivir pueda volver a radicarme en alguna provincia, tal vez en el sur”.
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–¿Cree que el artista tiene una mirada diferente a la del resto de la gente?
- –No. Uno ve lo mismo, lo que sucede es que tenés la suerte de ejercer un oficio o un trabajo que te permite expresar lo que ves.
Cuánta gente tendrá ganas de decir lo que un artista tiene la posibilidad de expresar por contar con un micrófono, un pincel o un escenario. Pero no es que uno vea distinto. Esto es un oficio.
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–¿Es de los que piensan que el artista tiene que estar comprometido con lo que pasa a su alrededor?
-–Uno siempre tiene que comprometerse con lo que hace, sea artista o no.
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En el artista puede reflejarse más porque tiene la posibilidad de pararse ante otra gente, decir lo que piensa, mostrar lo que hace. Pero el compromiso tiene que ser de todas las personas. Y no tiene que ver con hacer grandes cosas, uno puede ser solidario todos los días, no hace falta que hagas un megaevento para serlo.
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Yo creo en las relaciones entre las personas, hago infinidad de cosas en relación con otros, y no es que todo el mundo me interese ni que viva pendiente de “Ser rosarino es como un bien, como sentirse muy fanático de un equipo de fútbol, es un valor agregado”lo que digan o piensen para ayudar.
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Hay cuestiones que son intransferibles, uno no puede estar quejándose todo el tiempo por la falta de solidaridad y después no serlo. Hay que empezar por casa, por lo menos podés lavar los platos de vez en cuándo, aunque eso no salga en los diarios.
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A Baglietto se lo ve de buen humor. Bromea con Manuel Wirzt, tras bambalinas.
El músico dice que hoy prefiere mirar un presente que lo hace feliz. Lejos de renegar de su pasado –es un agradecido por todo lo que vivió con la Trova Rosarina–, le escapa a esa nostalgia que pueda ponerle trabas al crecimiento y al cambio.
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“Tengo la suerte de que la gente me haya permitido seguir, a lo largo de los años, grabando distintas cosas. No soy de decir “qué buena aquella época”, o “¿te acordás de cuando hacíamos esto?”.
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Tengo mucho para ocuparme del presente como para andar viviendo del pasado”.
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Aunque Rosario forme parte de su pasado, igualmente Baglietto, cada vez que puede, la recorre y visita a sus viejos amigos y familiares que viven allí. Dice que se sigue sintiendo rosarino porque aún tiene una “fuerte ligazón con la gente”.
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El músico recuerda sus comienzos, cuando el sueño de subir a un escenario se materializaba en los pubs rosarinos, a pesar de que el público muchas veces se cerraba ante lo nuevo.
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“Creo que la visión que tiene hoy el rosarino de lo que son sus artistas es muy distinta de la que tenían cuando hace 30 años nosotros peleábamos por subir a tocar a un escenario.
Siento una cosa de respeto y de valoración de mi trabajo y el de mucha otra gente.
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Hoy un artista es un señor que trabaja, respetable.
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Tres décadas atrás pujábamos por hacer conciertos, y éramos todos catalogados como una manga de vagos. Hay cosas que han ido cambiando para bien”. El cambio no ha sido sólo en la mirada del rosarino hacia el artista, sino también en el respeto y el orgullo que siente por ser parte de ese hermoso lugar a orillas del Paraná, cuenta Baglietto:
–La misma metamorfosis ha llevado a que la gente respete más a su ciudad.
Ser rosarino es como un bien, como sentirse muy fanático de un equipo de fútbol.
Es un valor agregado, y no era así antes. Ahora se dice con más orgullo “soy de Rosario”.
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“Creo que la visión que tiene hoy la gente ve que la ciudad está más linda. Aunque por supuesto que hay más pobreza, no es el edén. Pero, por ejemplo, al río lo tuvimos ahí toda la vida. Y los rosarinos lo descubrimos hace 25 ó 30 años; antes teníamos un paredón, el ferrocarril separaba a la gente del río. Se aprendió a mirar mejor.
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Baglietto asoma la cabeza por el cortinado del escenario. Hay bastante gente. Alguno que lo reconoce desde una tribuna lejana vitorea su nombre.
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Por delante pasa su hijo Julián, baterista, quien ya tocó en varios recitales con él.
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–¿Qué siente al compartir el escenario con un hijo?
-–Es un orgullazo. Para mi es increíble como toca Julián, aunque uno tiene una visión poco objetiva de los hijos. Me encantaría que entendiera la verdadera trascendencia de lo que es este oficio, su verdadera magnitud.
Si bien tiene 16 años y aún es chico, sabe que este trabajo no es broma. No es sólo mostrarse, tocar la batería y levantarse chicas; eso es una porcioncita mínima de algo muchísimo más grande.
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Como en cualquier otro oficio, uno tiene que poner rigurosidad y un gran esfuerzo. Tiene sus grandes recompensas, pero hacer música es tan sacrificado como hacer cualquier otra actividad seriamente.
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El cortinado se abre y Baglietto sale a escena.
El trovador rosarino comienza su espectáculo y, como lo viene haciendo desde hace 25 años, ya nada lo detiene.
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Sabe lo que es cantar para vivir.
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Sergio Limiroski
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Temas

01 - Vaya una Vida.mp3
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02 - Los Dias por Vivir.mp3
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03 - Mirtha de Regreso.mp3
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04 - Constitucion de Noche.mp3
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05 - Dios y el Diablo en el Taller.mp3
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06 - Milonga Sentimental.mp3
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07 - Actuar para Vivir.mp3
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08 - Era en Abril.mp3
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09 - La Vida es una Moneda.mp3
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10 - Eclipse de Mar.mp3
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11 - Nostalgias.mp3
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12 - El Gigante de Ojos Azules.mp3
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Link
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Publicación anterior
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Bix Beiderbecke - Restored - Volumen 1 - CD 2

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Bix Beiderbecke





Uno de los mas grandes músicos
de jazz.

Su forma de tocar la corneta sentó todo un estilo y
sirvió como ejemplo para muchos interpretes de la trompeta.

En esta publicación colocamos el segundo de la colección de temas restaurados de Bix Beiderbecke.

Temas

01 - Sunday (take 2).mp3

02 - Sunday (take 3).mp3

03 - Cover Me Up with Sunshine.mp3

04 - I'd Rather Be the Girl in Your Arms.mp3

05 - Just One More Kiss (take 2).mp3

06 - Just One More Kiss (take 4).mp3

07 - Proud of a Baby Like You (take 1).mp3

08 - Proud of a Baby Like You (take 4).mp3

09 - I'm Looking Over a Four Leaf Clover (take 1).mp3

10 - I'm Looking Over a Four Leaf Clover (take 4).mp3

11 - I'm Gonna Meet My Sweetie Now (take 2).mp3

12 - I'm Gonna Meet My Sweetie Now (take 3).mp3

13 - Hoosier Sweetheart.mp3

14 - Look at the World with a Smile (take 1).mp3

15 - Look at the World with a Smile (take 2).mp3

16 - Look at the World with a Smile (take 3).mp3

17 - My Pretty Girl (take 1).mp3

18 - My Pretty Girl (take 2).mp3

19 - Lane in Spain (take 1).mp3

20 - Lane in Spain (take 3).mp3

21 - Sunny Disposish (take 2).mp3

22 - Sunny Disposish (take 3).mp3


Link

http://rapidshare.com/files/40782198/RBerdi_BixBeiderbecke-Restored-Vol1-CD2.rar


Publicaciones anteriores

Bix Beiderbecke - Restored - Volumen 1 - CD 1

Bix Beiderbecke - Jazz Me Blues

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lunes, 30 de julio de 2007

Norah Jones - Festival de Jazz de Vitoria - - - Norah Jones - Come Away With Me
























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Norah Jones
- Festival de Jazz de Vitoria





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Norah Jones

(Nació el 30de marzo de 1979)
Es una cantante y pianista estadounidense.

Su voz cálida e íntima, su sencillez y un
enorme talento ha enamorado a medio mundo
y con su primer disco “Come Away With me

(que hemos colocado en esta publicación)

ha conseguido vender más de 20 millones de copias y 8 premios Grammy .
Hasta la fecha la cantante lleva más de 35 millones de copias vendidas en todo el mundo.

Su música combina elementos de jazz, soul y country.
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Festival de Jazz de Vitoria: Espléndido fin de fiesta
Luis Martín

http://www.abc.es/20070723/espectaculos-musica/festival-jazz-vitoria-esplendido_200707230955.html

Norah Jones es menuda, como su voz. Y, aunque ya no mantiene el aire distante de aquel estreno en Madrid de 2002, sigue pareciendo una de esas chicas tímidas que aprovechan cualquier oportunidad para quitarse de en medio.

Por si fuera esto poco, Norah se luce con un repertorio que no es precisamente un modelo de uniformidad: vapores de country, pop y folk-rock conviven con los trazos de un jazz demasiado aquietado como para no inquietar a una afición que, sólo un día antes, había defendido la fiereza del género con «Terremoto» Ornette.

Norah Jones no es, en fin, el desplante a la corriente de efímeras fragancias del jazz actual. Y, sin embargo, sus discos tienen un éxito sorprendente. Y son agradables a la escucha.

Comparecía con los miembros de la Handome Band con la que ha vuelto a grabar su último disco, «Not too late». Una formación discreta pero contundente: dos guitarras, bajo y batería, con sobrada calidad como solistas cada uno de ellos.

Y arrancó el concierto, con Norah guitarra en bandolera, entonando «Come away with me», la canción que dio título a su primer álbum de impacto, y enseguida se entró en faena con el temario de «Not too late».

Ya con la cantante sentada ante el piano, fueron llegando «The sun doesn't like you», «Rosie's lullaby», «Thinking about you» y de, nuevo, de su primer álbum, «Cold, cold heart», el clásico de Hank Williams del que también Joe Pass y Dinah Washington entregaron espléndidas versiones.

Y en la bonanza de un temario que obligado parecía que incluyese algún número de «homeFeels like », segundo disco de la artista, una aparición muy especial, la de M Ward, guitarrista y cantante al que Norah Jones conoció durante una gira de apoyo a John Ferry, candidato para la Presidencia de Estados Unidos.

M Ward, que había actuado en la primera parte de la velada, tocó con Norah los mejores cielos descendiendo a la carnalidad del bluegrass de «Creepin' in», la canción que grabó una vez a dúo con Dolly Parton, intérprete predecesora de muchos de las realizaciones de hoy en el terreno de las músicas estadounidenses de raíz.

Todo cuanto hace hoy Norah Jones tiene uno u otro tinte de country. Y, si ya había saltado en el capítulo de invitados especiales el nombre de M Ward, en adelante seguiría haciéndolo en títulos como «Little room» y «Broken», ambos incluidos en el álbum objeto de esta presentación.

Y todo entrelazado en cristalina fusión y sin sombra de confusión. Una hermosura hasta en el turno de bises —de nuevo, Norah a la guitarra—, con «Don't no why», el single que la hizo famosa, y «The long way home», tema estrella del álbum «Feels like home».

Un buen fin de fiesta para este festival.

En Norah Jones hay un espléndido presente y un enorme futuro. Felicitaciones, por cierto, a Radio 3 y a Manolo Fernández, por seguir a la vanguardia de las retransmisiones en directo de eventos importantes, y éste lo era.

Norah Jones - Come Away with Me

Temas


Norah_Jones_-_01_-_Don_t_Know_Why.mp3

Norah_Jones_-_02_-_Seven_Years.mp3


Norah_Jones_-_03_-_Cold_Cold_Heart.mp3

Norah_Jones_-_04_-_Feelin__The_Same_Way.mp3

Norah_Jones_-_05_-_Come_Away_With_Me.mp3

Norah_Jones_-_06_-_Shoot_The_Moon.mp3

Norah_Jones_-_07_-_Turn_Me_On.mp3

Norah_Jones_-_08_-_Lonestar.mp3

Norah_Jones_-_09_-_I_ve_Got_To_See_You_Again.mp3

Norah_Jones_-_10_-_Painter_Song.mp3

Norah_Jones_-_11_-_One_Flight_Down.mp3

Norah_Jones_-_12_-_Nightingale.mp3

Norah_Jones_-_13_-_The_Long_Day_Is_Over.mp3

Norah_Jones_-_14_-_The_Nearness_Of_You.mp3


Link

http://rapidshare.com/files/45600501/RBerdi_N.Jones-ComeAwayWithMe-01.rar

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All That Jazz - Ciclo de Cine - Música de "Cabaret" y " Chicago"

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All That Jazz

en el ciclo de cine del MUNT

Coordinado por Ernesto Klass, con la colaboración de Emilio Ladetto, Conrado Muela y Gustavo Calleja, continúa hoy a las 21 en el MUNT, San Martín 1545, Tucumán el Ciclo de Cine:

1001 Películas que hay que ver antes de morir..

" All that Jazz ",

un clásico del género dramático musical fue realizado, en 1979, por Bob Fosse acompañado en el guión por Robert Alan Arthur.

El elenco lo integran Roy Scheider, Ben Veeren , Jessica Lange, Leland Palmer y Ann Reiking.

Bob Fosse dirigió un musical no convencional que, a través de la historia de un implacable coreógrafo, cuya exigencia llega hasta la extenuación, retrata la dureza, el esplendor y decadencia de la gente que trabaja en el mundo del espectáculo.

Para muchos el triunfo les niega la posibilidad de otros afectos.

Una película que retrata la otra cara del show, lo que ocurre entre bastidores.

Los problemas cardiacos y las adicciones de Fosse
aparecen reflejados en
All That Jazz
(Empieza el espectáculo, 1979),
una película de corte autobiográfico.
La obra recibió una Palma de Oro en el festival de Cannes
y obtuvo un gran éxito internacional.

Otras obras musicales de Bob Fosse: Su Música

Cabaret

RBerdi_L.Minelli_J.Grey-Cabaret.rar

y no dirigida por él,
pero sí dirigida y corografiada en 1975 en Broadway por Fosse:

Chicago - Original Soundtrack - 2002

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domingo, 29 de julio de 2007

Bix Beiderbecke - Restored - Volumen 1 - CD 1



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Bix Beiderbecke





Uno de los mas grandes
músicos.
Su forma de tocar la corneta
sentó todo un estilo y
sirvió como ejemplo para
muchos interpretes de la
trompeta.
Con esta publicación iniciamos
la puesta de casi todo su
discografía con distintas orquestas
con temas que fueron restaurados
de sus discos originales.

Temas

01 - Fidgety Feet.mp3

02 - Jazz Me Blues.mp3

03 - Oh! Baby.mp3

04 - Copenhagen.mp3

05 - Riverboat Shuffle.mp3

06 - Susie (Of the Islands) (take A).mp3

07 - Susie (of the Islands) (take B).mp3

08 - I Need Some Pettin'.mp3

09 - Royal Garden Blues.mp3

10 - Tiger Rag.mp3

11 - Sensation.mp3

12 - Lazy Daddy (take A).mp3

13 - Lazy Daddy (take B).mp3

14 - Tia Juana.mp3

15 - Big Boy.mp3

16 - Flock O' Blues.mp3

17 - I'm Glad.mp3

18 - I Didn't Know.mp3

19 - Adoration.mp3

20 - Toddlin' Blues.mp3

21 - Davenport Blues.mp3

22 - Idolizing (take 2).mp3

23 - Idolizing (take 5).mp3

24 - Hush-a-Bye.mp3


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Publicación anterior

Bix Beiderbecke - Jazz Me Blues

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